2025年12月12日，中央美术学院二级教授、博士研究生导师，上海大学上海美术学院特聘教授、博士研究生导师王晓辉应邀在“上美讲堂”做了题为“问题中的水墨人物与探索之问”的讲座。百年中国现代人物画的发展以“问题的缘起”为核心线索，不同时期均面临各自的命题与挑战。其中，“融合”最早成为人物画创作中的重要母题，它在深层层面引发了关于写实与写意、抽象与具象、笔墨语言与传统范式等多重议题的思考。在不断提出问题、回应问题、于问题中求取发展的过程中，水墨人物画的教学与创作实践逐渐形成了其独特的探索路径。在此次讲座中，王晓辉教授以此为讨论起点，进一步梳理与解读水墨艺术在现代语境中“求新求变”的探索逻辑，并在分享中展开相关的经验与学术交流。

王晓辉教授首先将百年中国现代人物画的发展，置于“问题的缘起”这一核心线索下进行审视。他认为，“融合”是现代人物画创作中最早也最重要的母题，它深刻地引发了关于写实与写意、抽象与具象、笔墨语言与传统范式等一系列议题的持续论辩。他强调，正是在不断提出、回应并试图解决问题的过程中，水墨人物画的教学与创作才逐渐形成了自身独特的探索路径。近一个世纪以来，人物画的发生与发展为中国画学科注入了新鲜血液，而“徐蒋体系”在过去近百年的实践中，始终是现代中国画教学的核心思路与系统基础。他指出，无论工笔或水墨、大写意或小写意，现代人物画所描绘的“生活形象”为中国画整体学科带来了新的拓展方向，并在实践、观念、技术、思维模式乃至教育系统的教学设计、培养模式与方向上引发了时代性变革。

王晓辉教授强调，人物画在过去百年中持续面临各种问题与质疑，每个时代都有其新课题。他认为这种复杂性源于百年前传统笔墨与现代造型的相遇。他指出，清代以前的中国画系统并未有描绘身边现实形象的传统，因此在技术、艺术语言和观念上均无先例可循。过去百年间，诸如“中国画是否需要造型”、“是否需要素描”等问题反复被争论，甚至成为“车轱辘话”。但他认为，这些问题实质上是“噪音”，往往由那些不深入研究中国画历史及其现代发展的人所提出。

王晓辉教授认为，现代人物画的意义远超其本身，它指向并拓展了中国画迈向现代与未来的路径。他回顾了中国画的历史演进：唐代工笔达至顶峰，宋代山水气势恢宏，元代文人山水兴起，明代写意水墨花鸟得到发展，而清代艺术则常被视为相对没落。然而，自“徐蒋体系”所引领的现实主义人物画出现以来，现代人物画在过去百年间取得了飞速提升，虽历史较短，却引领并推动了中国画学科的整体建设。他引用哲学家罗素的观点——“艺术史的发展就是让传统不断成熟的过程”，并指出艺术始终是进步的，不会停滞或倒退。因此，人物画在20世纪初的出现与发展并非偶然，而是清代艺术衰落背景下文化复兴感知力量的体现，是历史必然。

王晓辉教授指出，百年人物画发展始终伴随着诸多问题。他列举了一些核心议题：中西艺术与文化机理之辩；造型与笔墨的兼容性问题，尤其是传统笔墨如何与新造型结合；素描的利害关系；现代人物画的审美困惑，即如何在现代人物作品中建立新的笔墨系统与价值认定标准；传统价值观的维护问题；以及现实主义绘画的主流与非主流之分。他强调，人物画自诞生起便与现实主义紧密相连，从“革命的现实主义”到改革开放后的“多元现实主义”，再到今日更具个性化的现实主义创作，虽有不同逻辑阶段，但主流艺术创作始终是国家美术体系下体现社会与时代价值的重要特征。

王晓辉教步表示，当代艺术教育正强化学科交叉与综合性发展，综合性大学的教育改革旨在通过跨学科融合提升创造力与感知力。他认为人物画因其综合属性，最契合这一发展趋势。此外，他提到AI智能技术的迅猛发展对所有艺术形式构成新挑战，中国画亦需面对并思考如何保持艺术性与绘画性。面对这些新旧问题，只有推动艺术向前发展的问题才具有价值，反之则违背艺术规律。

王晓辉教授以个人的创作实践为案例，具体阐释了他的“探索之问”。他将自己45年的艺术历程总结为“不断解决自己问题”的过程，并将其探索方向归纳为四大类：

其一，是“主流现实主义水墨拓展”。他展示了从学生时代的课堂习作、主题创作，到后来围绕新疆、内蒙古、彝族等民族题材进行的系列探索。他强调，这类创作既是回应主流美术的要求，更是自己系统研究造型、笔墨与特定形象（如复杂民族服饰）如何结合的课题，是为解决“现实主义创作里问题”而进行的主动实践。

王晓辉《丽日佳人》240×610cm 2011年

王晓辉《马头琴声》263×796cm 2025年

其二，是“探微传统艺术”。王晓辉教授强调，探索不仅指向“新”与“奇”，回归传统、挖掘其中适合当代发展的艺术因子同样重要。他通过持续研习传统山水、人物画的形式、技法和审美情趣，并将其与自己下乡感受相结合进行再创作，认为这是一种与传统平行对话、从中汲取养分以滋养现代人物画创作的必要途径。他指出，对传统的学习应是贯穿艺术家一生的持续过程。

王晓辉《无量福寿图》650×190cm 2018年

其三，是“个性生活化语言探索”。他坦言，主流主题创作有时难以完全承载个人的真实生活感受与复杂情感。因此，他通过《红粉蚁族》《红色穿越》等系列，将视角转向身边的、基层的日常生活，表达对北漂、社会表情等现象的个性化观察与情绪态度。他认为这种创作更贴近个人的“生活体感”，其表现方式与审美趣味自然与主流创作有所不同，但体现了个体的真实。

王晓辉《海天情》 190x186cm 1987年

王晓辉《红粉蚁族》 393×199cm 2013年

其四，是“当代艺术社会性思考”。这是王晓辉教授近十余年来着力进行的探索。他尝试超越“现代性”问题，运用水墨材质进行更具观念性的表达，如《冠状物》《手语》《乱红》《傩相》等系列。他表示，这类创作并非为了参展或取悦他人，更多是“自娱自乐”式的思想实验，是对社会议题的当代性思考，旨在探索水墨在更广阔语境中的可能性。他回溯到80年代末的抽象水墨实验，说明这种探索有其内在脉络。

王晓辉《乱红》 2023年

王晓辉《变脸》547x136.5cm 2025年

王晓辉教授总结道，人物画领域问题永存，质疑不断，但其传统花鸟画所遇新问题相对较少。不应被动局限于某一问题中，而应通过不断阅读与学习，补充新知识，并大胆运用传统材质与手绘方式去讨论和解决问题。他认为，用水墨传统材质解决问题仍有广阔空间，无需急于转向装置等其他形式。他尤其对在座研究生提出，在年轻阶段应扎实面对问题，不断解决而非回避，唯有如此才能持续进步。他重申，艺术教育应唤醒学生的探索能力，引导其养成积累与试错的习惯，从实践中孕育“探索出新”的良性循环，使艺术教学贴合学生现实，激发个性思考与探索精神。

在讲座最后，王晓辉教授通过人物写生示范的方式进行讲解。他主张当代人物写生应打破“选模特”“挑对象”的传统依赖，强调面对任何形象都应直接刻画，以此训练画家面对未知对象的即时反应与笔墨适应力。在方法上，他反对过度依赖铅笔打稿与橡皮修改，鼓励直接用毛笔捕捉整体感受，从对模特的直观印象出发，逐步生发笔墨关系，而非套用既定程式。他特别指出，笔墨应随当代生活形态而演进——如今人物着装、材质日益多样，传统的笔墨程式已不足以表现，因此刻画时可多层次叠加、制作，以呼应对象的质感与形态。在他看来，写生不是追求标准化成果，而是培养笔墨与对象对话的习惯，这一过程积累的经验将自然贯通至创作，实现从“画标准”到“画感受”的转换，从而使水墨人物画在当代生活中持续焕发生机。

在互动环节，现场同学提出了问题。

更多精彩内容尽请关注

【上美讲堂】官方抖音、视频号